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Mamoru Oshii: “Gli anime sono solo erotismo e violenza”

root • 1 Maggio 2023

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Il regista di Ghost in The Shell , Mamoru Oshii, è stato intervistato dalla CIRNA, famosa testata giornalistica giapponese, durante il Niigata International Animation Film Festival. 

Lui risponde ad alcune domande inusuali, ma che ci mostrano la realtà dell’animazione giapponese e della critica moderna

Animazione artistica e commerciale: Motivi e differenze fondamentali

In primo luogo, c’è una differenza come tra la musica pop e la musica classica tra l’animazione commerciale in generale e l’animazione artistica. Le motivazioni sono diverse e le persone che la realizzano sono diverse. L’animazione artistica è nata in Europa ed è per lo più opera di singoli artisti o di piccoli team. Anche se le motivazioni della produzione sono diverse, l’idea di base dell’animazione artistica non è quella di raggiungere il successo commerciale, ma di realizzare ed esprimere al meglio l’idea dell’artista.

Inoltre, la maggior parte delle opere sono cortometraggi. Questo perché l’animazione costa quando si tratta di lungometraggi, in quanto il costo è proporzionale alla durata. L’animazione commerciale richiede almeno 200 persone, per una serie televisiva, mentre per un film ne sono coinvolte più di 1.000 e ci vogliono due o tre anni netti; quindi, in ogni caso servono centinaia di milioni di soldi (si riferisce a yen, ma non ha specificato). Quindi, a differenza dei manga, dei romanzi e della musica, l’animazione commerciale non è un mondo in cui ci si può basare solo sulle motivazioni dei singoli artisti.

Questi costi di produzione influiscono anche sul contenuto dell’opera e, fondamentalmente, i film commerciali implicano l’intrattenimento, quindi ci sono ragazze carine, guerre e robot. In parole povere, viene rappresentato un mondo pieno di violenza ed erotismo. Ci può anche essere del dramma che fa piangere, ma generalmente sono tutti “un mondo di erotismo e violenza”. Non sono parole mie, ma di Samuel Fuller, regista americano, che ha parlato de “Pierrot le Fout” di Godard, e mi ci identifico molto. Quando faccio animazioni e film, queste sono fondamentalmente le uniche due cose che ho in mente. Naturalmente, a partire da lì, ci può essere una certa consapevolezza critica, qualcosa da dire sui tempi, premonizioni, critiche alla civiltà, domande sull’esistenza umana, ecc. ma chiaramente l’essenza dei film commerciali è “erotismo e violenza”.

Quindi, nei lungometraggi di intrattenimento, ci sono film che “hanno qualcosa da dire”, e film che “perseguono semplicemente il principio del piacere”, come nel caso di molti lungometraggi di robot e di azione. Però, al giorno d’oggi, come ci si potrebbe aspettare, non ci sono più film che dicono “l’ho fatto tanto per, senza mettere nessun significato”, reputo che ogni opera abbia una certa quantità di cose da dire.

D’altra parte, l’arte è essa stessa espressione, quindi non è necessario portare avanti alcuna teoria. Naturalmente, esistono anche autori di film d’animazione d’arte come Yuri Norstein, che hanno un messaggio da comunicare.

Quando Makoto Shinkai è entrato in scena, c’è stato uno sconvolgimento nella scena della produzione di animazioni.

Credo che “un’opera di intrattenimento commerciale sia essa stessa un atto sociale”. Nel momento in cui si tratta di un’opera che include la visione da parte di un pubblico, è necessariamente qualcosa di commerciale. È proprio perché hanno questa natura sociale nella loro spina dorsale che possono avere affermazioni e temi complessi, e se il film non è un successo per il pubblico di oggi, non ha senso; quindi, è inevitabilmente portatore di un certo legame con la cultura del momento. È per questo che i film commerciali, che si tratti di Eva (Neon Genesis Evangelion) o Loofah (Loofah) (ride), hanno sempre un legame con la cultura del momento. Ma l’animazione artistica non è legata a ciò. C’è una netta differenza tra loro. Quindi, sebbene l’animazione commerciale e quella artistica siano la stessa espressione dell’animazione, hanno differenze maggiori di quella tra: animazione e live action, o animazione e manga. Non si tratta solo di un genere diverso o di un pubblico diverso, ma di una formula(atto) diversa.

Ma finora non c’è stato un luogo in cui esaminare questo aspetto. Ecco perché penso che il Niigata International Animation Festival, che si rivolge sia alle opere artistiche che a quelle commerciali, sia un evento che ha pochissime analogie non solo in Asia, ma nel mondo. Ci sono gli Annie Awards e l’Annecy International Animated Film Festival, ma sono più orientati all’arte. Un film di cui ho scritto la sceneggiatura, “Jin-Roh”, è arrivato agli Annecy, ma solo perché aveva una forte componente letteraria e credo che fosse al limite. E se fossero stati Eva o Gundam (Mobile Suit Gundam), non ci sarebbe stata alcuna possibilità. Soprattutto in Europa, c’è un forte senso di distinzione tra opere artistiche e commerciali.

Beh, anch’io ho pensato a lungo che “le cose stanno così” e che era meglio non farsi coinvolgere dagli uni e dagli altri perché il territorio e la visione della vita sono diversi (tra gli artisti nel campo dell’arte e i creatori di opere commerciali). Ma guardiamo le opere d’arte, quindi se c’è un’occasione, ad esempio se viene trasmessa su NHK o WOWOW, la guardiamo e parliamo di come sia un’idea interessante o di come ci siamo quasi annoiati a morte. Ma, d’altra parte, probabilmente non direi pubblicamente di essere un grande fan di Eva, anche se faccio animazione artistica. Non è sorprendente che ci siano persone così. In passato, dal punto di vista del mondo dell’arte, la nostra animazione commerciale era qualcosa di inferiore a loro. È come la differenza tra musica classica e musica pop.

Così, quando è arrivato Makoto Shinkai, che ha realizzato da solo l’animazione commerciale come opera d’arte, c’è stato un tumulto negli studi. Mi sono detto: “Anche una sola persona può realizzare lo stesso tipo di animazione che abbiamo realizzato fino ad ora negli studi”. I giovani erano particolarmente arrabbiati, così i vecchi hanno iniziato a pensare: “I giovani sono arrabbiati, cosa farete? Cosa avete intenzione di fare? Ho pensato che fosse divertente (ride). Mi disse: “Se vuoi farlo da solo, fallo e basta”. Se l’avessi fatto da solo, mi sarei agitato in un attimo. La cosa interessante di Makoto Shinkai è che non si è lasciato trasportare, e credo che questo sia dovuto al fatto che aveva un’idea chiara di ciò che voleva fare. E ha persino ideato lui stesso la metodologia. È per questo che Shinkai è un grande. Non è una cosa che si può fare così facilmente. È quello che ho pensato.

E ha persino ideato lui stesso la metodologia. Quindi Shinkai è un grande. Non è una cosa che si può fare così facilmente. Questo è quello che ho pensato, quindi gli ho detto: “Non importa quello che dici degli altri, tu sei cresciuto in uno studio, quindi perché non lo fai in uno studio?”. Va bene se lavori duramente da solo, ma a breve non riuscirai più a mangiare”.

A causa di questo tipo di industria, i festival cinematografici come il Niigata International Animation Festival non sono nati per competere con i festival orientati all’arte. Se si pensasse ai vantaggi e agli svantaggi, sarebbe meglio non farlo e, in primo luogo, tutti sono impegnati, quindi non c’è nessuno che voglia “fare” questo tipo di cose (ride).

(Risate) Quindi l’arte e le opere commerciali sono diverse fin dalle loro origini e, a causa di queste differenze accumulate, non c’è posto per lodare o apprezzare le opere commerciali allo stesso modo. L’industria dell’animazione ha un tacito accordo sul fatto che non si dovrebbe parlare male di chi fa parte dello stesso luogo, e questa è una situazione particolare. Non voglio parlare male di loro, voglio valutarli. Voglio criticare. Naturalmente voglio lodare ciò che è lodevole”, ma poi dicono: “Va bene lodare, ma non sminuire. Non voglio ridurre le lodi, voglio valutare onestamente. In altre parole, è un mondo in cui la critica non esiste.

Senza critiche, il lavoro non migliora. In cosa consisto no queste strane “tradizioni” dell’industria dell’animazione?

E’ un “mondo di artigiani”. La cosa che mi ha sorpreso di più quando sono entrato nell’industria dell’animazione è che non ci sono critiche anche se faccio qualcosa. Ci sono chiacchiere e pettegolezzi tra amici, ma non ho mai sentito che la persona che viene criticata e quella che fa la critica abbiano discusso, o che abbiano fatto a pugni. D’altra parte, nel mondo del live-action, una volta c’erano i critici cinematografici, quindi se ne parlava molto. Oggi i critici cinematografici non esistono più come professione perché non è più possibile guadagnarsi da vivere, e i professori universitari che amano le sottoculture scrivono solo occasionalmente dei libri o qualcosa del genere, e il resto sono solo libri gialli su Eva (ride).

(ride) A questo proposito, un vecchio signore di nome Hayao Miyazaki, che originariamente voleva diventare un artista di manga, ha detto: “Non c’è critica nel mondo dei manga”. Gli artisti dei manga sono persone povere perché non sono mai stati criticati”. In breve, sta dicendo che questi fumettisti sono deboli. In confronto, noi dell’industria dell’animazione siamo quelli che ricevono le critiche peggiori (ride). Ma quando ho parlato con Hayao Miyazaki e ho sentito che non ci sono critiche nel mondo dei manga, ho pensato: “Lo stesso vale per il mondo dell’animazione”. Perché ci sono parole cattive, ma non ci sono critiche. Anche se ci fosse qualcosa che non è una parolaccia, sarebbe solo un’opinione. Solo “era bello” o “era brutto”, senza alcuna base di critica. Non è solo un pensiero di Hiroyuki, ma è una storia che dice: “Questa è il tuo modo di vedere le cose, vero?” (ride). Ecco perché non ho mai cercato il mio nome o il mio lavoro su internet. Sono solo sciocchezze e non mi preoccupo di sentirmi a disagio per questo.

Però, mi sono sentito a disagio con l’industria dell’animazione fin dall’inizio. All’inizio non guardavo anime e sono entrato lì solo per caso, perché volevo diventare un regista. Ho pensato: “Sono in un mondo strano”. L’atmosfera era tale che non mi era permesso parlare del mio lavoro, né di quello degli altri. Infatti, mi veniva detto: “Non dire nulla di superfluo”. Pensavo a che mondo disgustoso fosse e che fosse uno spreco. Pensavo che fosse uno spreco, perché si mette tanta energia nella realizzazione di un’opera e poi questa scompare senza che nessuno ne parli.

Anche così, credo che un tempo ci fosse un po’ di critica, ma al giorno d’oggi nessuno legge più le riviste di anime, mentre il numero di opere è aumentato e stanno diventando sempre più sacrificabili, il che è un vero spreco. Al giorno d’oggi, circa il 95% delle opere sparisce dopo la fine della messa in onda. L’ho detto molte volte, ma questo è un vero spreco. Per realizzare queste opere sono stati impiegati tanto tempo, denaro, energia e passione. Se fossi la persona coinvolta, non riuscirei a sopportarlo.

Ho fatto il regista radiofonico per meno di un anno, ed era davvero difficile cancellare tutti i nastri dopo la messa in onda, perché devi tenerli per tre mesi, ma vuoi usarli per qualcos’altro e non hai spazio per conservarli; quindi, dopo tre mesi li cancelli davvero tutti. È la stessa cosa per i film: solo perché il negativo è ancora lì, dopo il secondo anno è considerato un bene e tassato; quindi, se il distributore decide di non volerlo, viene distrutto man mano. Quindi non ci sono quasi più vecchie pellicole, se non quelle conservate nelle cineteche. Anche se ci sono, si tratta solo di copie, non di negativi, quindi si sono deteriorati gravemente.

Lo stesso vale per l’animazione moderna, e anche i dati digitali non possono essere conservati per sempre. Anche la capacità dei server è limitata, quindi non tutti i DCP (Digital Cinema Package una raccolta di file per la proiezione di film digitali) possono essere archiviati. Inoltre, i dati digitali sono soggetti a ripetute copie, che comportano perdita di qualità a seconda del supporto, il deterioramento. Ecco perché i film sono destinati a scomparire senza lasciare traccia. Lo stesso vale per i libri, ma i libri sono ancora conservati perché hanno un valore silenzioso come consenso sociale. Non c’è paese senza biblioteche. Ma per quanto riguarda lo stoccaggio dei film, ci sono persone che fanno del loro meglio per farlo, ma non lo fanno con i film di serie B. Non si occupano nemmeno di animazione, anche perché non è formata solo da prodotto fatto e finito, ma anche dalle animazioni di per sé, gli sfondi, le ambientazioni e tutto i lresto. Ci sono alcuni archivi, ma non contengono tutto.

Anche il mio lavoro su Ghost in the Shell (Ghost in the Shell) è quasi scomparso e Patlabor (Mobile Police Patlabor) non esiste quasi più. Ho solo una collezione di layout che ho voluto conservare personalmente e che ho convinto l’editore a pubblicare. Ho pensato che fosse una risorsa. Pensavo che ne valesse la pena e che sarebbe stato un libro di testo per gli animatori. Ma questo problema non è stato risolto fino ad oggi e il 95% del lavoro scompare, una dopo l’altra. Se non si vuole conservarli, non rimangono. Nessuno critica se non ha il coraggio di farlo. Dicono solo che è bello o brutto, interessante o noioso, ma una volta finita la messa in onda, viene completamente dimenticato. I dischi sono in possesso di pochi appassionati e non si vendono più. Allora in futuro chi ne parlerà?

Non c’entra nulla, ma sono rimasto sorpreso nel sentire il nome di un carro armato come Leopard 2 in un programma di recente, 20 anni fa non sarebbe stato possibile. Io sono un appassionato di militari e faccio modellismo, quindi sapevo che si trattava di un Leopard 2 A4, ma quando scoppia una guerra, si iniziano a usare nomi di carri armati e termini militari nei programmi regolari. Mi ha sorpreso che gli annunciatori dicano cose come “offensiva inversa”. Credo che quando l’Ucraina otterrà un cessate il fuoco, la gente si dimenticherà di tutto questo. Mi chiedo quando torneremo a un mondo in cui la gente non sa distinguere tra carri armati e artiglieria semovente. Persino le navi vengono chiamate corazzate se hanno delle torrette. No, questo è davvero irrilevante (ride).

Ma l’animazione è un mondo così maniacale. In pratica, tutti ricordano solo il titolo dell’opera e i personaggi, e non apprezzano i disegni o gli animatori. In questo senso, l’animazione è sempre stata un prodotto di consumo, ma anche come tale, è riuscita ad arrivare fino a questo punto.

I premi sono per le critiche, e le critiche servono a preservare il lavoro.

Se si leggono vecchie interviste, creatori di prim’ordine come Oshii, Hayao Miyazaki e Hideaki Anno erano soliti parlare del lavoro degli altri.

No, ora penso che nessuno dei due abbia mai ascoltato l’altro (ride). Hanno detto solo quello che volevano dire e la cosa è finita in un litigio. Quindi non ha molta importanza ciò di cui parlano i registi. Non finisce bene. Ho incontrato molti registi, non solo di animazione ma anche di live-action, non solo giapponesi ma anche stranieri, e non sono tutti bravi come persone.

Alla fine, solo persone del genere sono adatte a essere registi. Naturalmente, tutti sanno parlare bene e ci sono solo persone che parlano tantissimo, ma parlano solo di sé stessi. Quando queste persone giudicano gli altri, parlano solo male di loro. Miyazaki ne è un esempio, al punto che non è più una critica ma quasi un insulto. Non è una critica né un discorso. Forse ha i suoi criteri, ma vorrei che ne parlasse mostrando delle prove. E questo è qualcosa che non vedrai solo guardando anime. Devi discutere basandoti su tutto il quadro: il cinema, la cultura in generale, la società e la storia, solo così potrai parlare di qualcosa in modo completo. Non ho mai sentito un discorso che si estendesse così tanto. Leggo anche testi di docenti universitari e mi rendo conto che sono intelligenti, ma non vedo basi. Probabilmente, vogliono parlare delle lore esperienze ma personalmente preferirei che parlino del lavoro in sé, piuttosto che usare l’animazione per parlare di loro stessi. Ma in realtà, quasi nessuno fa questo.

Quasi nessuno. Perché in internet è destinato ed è omogeneo. Non c’è bisogno di leggerlo, ormai è palese cosa si trova.

Voleva portare una critica al mondo dell’animazione e ha accettato l’incarico di presidente della giuria del “Niigata International Animation Film Festival”?

No, non è così semplice, ma include anche altre motivazioni. Penso che debba esserci un luogo in cui valutare seriamente un’opera d’arte. Ciò che verrà detto in quel luogo è un’altra questione, ma almeno dovrebbe esserci un luogo in cui farlo. Se si conferisce un premio, è necessario spiegare le ragioni per cui è stato assegnato, altrimenti non ha senso. Non si tratta di diffondere una certa conoscenza nel mondo?

Un luogo in cui dire “Quest’opera è eccellente per questo motivo” o “È pronta a contrastare il suo tempo” sarebbe pubblicamente stabilito e sarebbe certamente più facile per coloro che riportano la notizia. Alla fine, è questo il significato di un premio.

Bene, forse non è così recentemente, ma è solo che i media non parlano d’altro che delle vittorie e dei premi. È come la squadra di calcio giapponese: la conversazione sui tipi di gioco che hanno fatto vincere o perdere si svolge solo tra i fan più accaniti.

Non importa che si tratti di sport, quando si tratta di lavoro professionale, il discorso è combinato con il pensiero critico. Tempo fa c’era molto da dire a proposito di baseball, ma ora si parla solo di discussioni tecniche. Quelli come Ichiro e Shohei Ohtani sono grandi non perché hanno colpito molti home run o hit, ma perché hanno il loro modo di affrontare il gioco – “Ichiro non gioca a baseball, gioca a un gioco”. Ma questo tipo di discussioni escono raramente nei giornali o nelle riviste, solo su internet.

Ma è per questo che mi chiedo: “perché non si parla di film con la stessa passione con cui si parla di baseball o calcio”? Anche nel “World Festival of Animated Film” di Niigata, non è importante che film abbia vinto il Gran Premio e che possa essere presto dimenticato, l’importante è che ci sia uno spazio dedicato a questo tipo di arte e credo che questo sia un’importante punto. Quindi, nonostante non abbia niente a che fare con il mio lavoro principale e non abbia tanto tempo libero da dedicare, sono qui. Ma ultimamente sto diventando pigro e oggi sto anche facendo 10 interviste, e sto pensando “spero che finisca presto!” (ride)

Fonte: CINRA

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